Maîtriser la conception graphique : Types, éléments fondamentaux et astuces pour les créateurs débutants

Le graphisme séduit par son lien profond avec la pensée créative et ses perspectives de carrière lucratives. De plus, de nombreuses sources statistiques font état d'une croissance annuelle constante de 3% de la demande pour cette profession.

Il n'est pas nécessaire d'avoir suivi une formation artistique pour créer des dessins remarquables. Il suffit de comprendre les principes de composition et les théories fondamentales. Et, bien entendu, vous devez constamment perfectionner vos compétences pour obtenir les résultats souhaités. Dans cet article, vous découvrirez tout ce dont vous avez besoin pour maîtriser la conception graphique, des bases fondamentales aux conseils pratiques. Poursuivez votre lecture !

Quels sont les 5 différents types de graphisme ? 

La conception graphique est une vaste discipline qui englobe plusieurs domaines créatifs. Par exemple, certains créateurs se spécialisent dans la création de bannières publicitaires, tandis que d'autres développent des logos de marque uniques. Plusieurs époques ont également influencé sa compréhension. Autrefois, les professionnels se consacraient à la création de nouvelles polices de caractères. Aujourd'hui, l'accent est mis sur les interfaces numériques. Ainsi, quels sont les types de design? Au sens large, ils abordent les divers défis que les concepteurs doivent relever dans différents domaines.

Il existe cinq types de conception graphique : 

1. Conception du produit. Les professionnels de ce secteur sont chargés de créer des produits physiques et numériques uniques. Ils mettent leurs compétences au service de l'ergonomie et du confort des objets du quotidien, tels que les canapés ou les prises de courant. Pour en savoir plus sur la conception de produits, lisez The Design of Everyday Things par Don Norman. Ce livre n'est pas seulement utile aux concepteurs de produits, il est également très utile aux concepteurs de sites web.
2. Modèle type. Il existe plus de 200 000 polices de caractères dans le monde, et ce nombre augmente grâce aux créateurs de caractères. Ce domaine consiste à développer de nouvelles formes graphiques de lettres, de signes de ponctuation, de symboles mathématiques et d'autres caractères. Pour approfondir ce sujet, consultez les livres sur la conception de caractères écrits par Paul McNeil, Robert Bringhurst et Stephen Coles. Ces auteurs couvrent un large éventail de sujets, notamment l'histoire de la typographie, les propriétés des polices de caractères et la perception des caractères.
3. Conception d'interaction. Ce type de conception représente la convergence de deux domaines fondamentaux : l'expérience utilisateur (UX) et l'interface utilisateur (UI). Les professionnels de ce domaine sont chargés de créer des interactions captivantes et significatives entre les utilisateurs et les systèmes numériques, tels que les sites web et les applications. Par exemple, un designer d'interaction peut conceptualiser la manière dont les utilisateurs s'engagent avec le contenu des médias sociaux, y compris les actions telles que le partage, l'appréciation et les commentaires. Pour approfondir vos connaissances dans ce domaine, vous pouvez lire "Designing Interfaces : Patterns for Effective Interaction Design" par J. Tidwell et Ch. Brewer.
4. Conception de graphiques animés. Ce domaine se concentre sur la création d'animations, d'effets visuels et de courtes vidéos qui font apparaître des "personnages vivants" sur les écrans. Les actions peuvent se dérouler dans des univers bidimensionnels ou tridimensionnels. La conception de graphismes animés est très demandée dans divers secteurs, notamment le marketing, le cinéma, l'animation et la conception d'interfaces mobiles. Vous pouvez consulter le livre Design for Motion : Fundamentals and Techniques of Motion Design d'Austin Shaw pour en savoir plus.
5. Conception de l'identité de la marque. Les concepteurs dans ce domaine s'engagent à développer des éléments graphiques uniques pour les entreprises. Par exemple, des logos, des emballages de produits, des directives de marque et des manuels de style d'entreprise. Avec l'aide des designers, les marques peuvent établir des associations puissantes en utilisant les couleurs, la typographie et les motifs récurrents. Le livre Creating a Brand Identity de Catharine Slade-Brooking est une source de connaissances précieuses pour les créateurs en herbe. 

Principes fondamentaux de la conception graphique 

Les designs sont constitués d'images, de couleurs et de typographies. Pour créer des visuels captivants, il est essentiel de maîtriser l'art des combinaisons de couleurs, des associations de polices et de l'emplacement des images.

Théorie des couleurs 

La théorie de la couleur étudie la manière dont les différentes teintes interagissent entre elles et avec l'observateur. Elle englobe des sujets tels que la perception humaine des couleurs, le mélange des nuances et la manière dont les couleurs peuvent transmettre des messages.

Pour maîtriser la théorie des couleurs, il est essentiel de comprendre les points suivants :

• Propriétés des couleurs-Comprend des concepts tels que la saturation, la valeur, les tons, les nuances, les teintes, la chaleur, la fraîcheur et la température.
• Roue des couleurs-Le cercle chromatique représente une organisation illustrative de différentes teintes et montre comment elles peuvent se combiner harmonieusement. Avec une roue des couleurs, vous pouvez associer des teintes qui se complèteront dans vos créations. Il existe plusieurs outils en ligne conçus à cet effet, par exemple Adobe Color et Paletton. 
• Psychologie des couleurs-Des couleurs spécifiques peuvent évoquer des émotions distinctes chez les gens. Par exemple, le bleu est souvent associé au calme, tandis que le violet donne un sentiment d'innovation. Comprendre la signification des couleurs dans le design permet aux créateurs d'influencer les perceptions des consommateurs et de transmettre des messages appropriés.

Typographie 

La typographie est un élément crucial de la conception qui permet aux créateurs d'attirer efficacement l'attention de l'utilisateur. Les polices modernes peuvent être classées en huit catégories : lettre noire, sans empattement, avec empattement, script, monospace, glyphes calligraphiques, slab serif et display. En tant que concepteur, votre tâche consiste à combiner habilement différentes polices.

Voici quelques principes fondamentaux pour l'appariement des polices de caractères :

• Utilisez au maximum deux polices de caractères dans vos projets de conception.
• Mélangez des polices de caractères de la même famille pour plus de cohérence.
• Associez des polices de caractères fortes à des polices plus délicates pour créer un contraste visuel.
• Combinez des caractères avec et sans empattement pour obtenir un résultat équilibré.
• Réservez les polices calligraphiques aux titres ou aux éléments décoratifs.

La typographie est une discipline complexe, et l'appariement des polices de caractères repose sur diverses caractéristiques. Pour les graphistes débutants, des services en ligne tels que FontJoy et FontPair peuvent s'avérer utiles.

Mise en page et composition 

Dans une bonne conception, les éléments ne sont jamais isolés. Ils interagissent les uns avec les autres de manière spécifique, formant ainsi une composition. Pour créer des mises en page harmonieuses, vous devez tenir compte de ces huit principes :

1. Équilibre. Ce principe consiste à créer un poids visuel dans votre composition. Cependant, l'équilibre n'est pas synonyme d'équilibre dans la conception. Imaginez par exemple que vous deviez réaliser une infographie. Dans ce cas, vous pouvez placer les éléments en parallèle, en cercle ou en mosaïque, ce qui crée un équilibre. 
2. Contraste. Il s'agit de créer un contrepoint visuel entre les éléments. Par exemple, des couleurs blanches et noires dans un même cadre créent un contraste dans votre composition. Vous pouvez créer des contrepoints dans vos dessins grâce à la couleur, à la taille et à l'alignement. 
3. Accentuation et subordination. Cette technique implique le développement d'un point focal qui sert de centre d'attention au spectateur. Lorsque tous les éléments ont la même importance, la concentration est dispersée. Ainsi, par exemple, lorsque vous concevez des bannières publicitaires, vous devez mettre l'accent sur une proposition de vente en la titrant. 
4. Force directionnelle. Il s'agit d'un chemin visuel qui guide le regard de l'observateur à travers la composition. Les forces directionnelles se retrouvent dans les environnements naturels tels que les routes, les montagnes et les rivières. Avec ces éléments, vous pouvez diriger le regard du spectateur vers des boutons ou des formulaires d'inscription. 
5. Proportion. This is the relationship of a specific part to the entire object, as well as the correlation between individual parts themselves. With size, graphic designers can shape visual aesthetics, realism, and overall compositional style. For example, the Subaru logo contains several stars, one bigger than the others, capturing the viewer’s focus. 
6. Scale. This conveys comparative dimensions of a design element in relation to other ones. Using it, creators can establish visual hierarchy and highlight necessary components like buttons and options. 
7. Repetition and rhythm. This principle is based on element recurrence, allowing for directing the viewer’s gaze and establishing attention. For example, users know that important icons are arranged in specific places, like your website’s upper right side, simplifying interactions. 
8. Unity. This can be explained as the symphony made by combining design elements. For example, you can employ identical colors and same-shape components to achieve a cohesive look. 

Professional tips on how to make good graphics 

#1 Research 

Watchfulness is key to good design. Aspiring creators experience challenges inventing something new, but they should focus on taking small pieces of information from everywhere. 

Before making designs, observe how others approach them. Online sources like Behance and Dribble can assist you in this endeavor. Save works that captivate you and make mood boards for your projects. For example, you can create a workspace in Figma where you can keep all thematic images, interesting fonts, and matching colors. Gathering design puzzles makes it much easier to see the complete picture.

#2 Utilize negative space 

The concept of utilizing negative space, also known as white space, is a valuable design principle that can greatly enhance the overall aesthetics and clarity of your compositions. While beginner creators might initially view empty spaces as a detriment, they play a crucial role in design by providing balance and breathing room. Negative space helps simplify the perception of a composition, allowing the viewer to focus on essential elements. This creates a harmonious and visually pleasing design. 

#3 Develop order

The visual hierarchy of a composition should be easily perceived. To achieve this, highlight important elements in your design. For example, make your headings bigger than the body text. Avoid center alignment for body text since most readers in many countries read from left to right, and center alignment can make text less legible.

#4 Keep it simple

Ensure each design component possesses a clear purpose and choose straightforward fonts, shapes, and pictures. Opt for contrasting tonal color combinations to ensure sharp and legible text.

#5 Repeat design elements

Professional designers often develop UI kits that contain reusable graphic elements like icons, product cards, article frames, etc. When incorporating the same materials in your projects, you build consistency. 

Conclusion 

With a variety of directions, graphic design is a go-to choice for creative minds willing to improve the visual perception of things. To acquire this profession, familiarize yourself with artistic fundamentals, rules, and design principles. Learn about color theory, typography, and composition from this article, and start mastering your skills.