Maîtriser la conception graphique : Types, éléments fondamentaux et astuces pour les créateurs débutants

Le graphisme séduit par son lien profond avec la pensée créative et ses perspectives de carrière lucratives. De plus, de nombreuses sources statistiques font état d'une croissance annuelle constante de 3% de la demande pour cette profession.

To create striking designs, you don’t need an art education. Instead, a grasp of compositional principles and foundational theories suffices. And, of course, you must continuously hone your skills to achieve desired results. In this article, you’ll discover everything you need to master graphic design, from fundamental basics to practical advice. Keep reading!

Quels sont les 5 différents types de graphisme ? 

La conception graphique est une vaste discipline qui englobe plusieurs domaines créatifs. Par exemple, certains créateurs se spécialisent dans la création de bannières publicitaires, tandis que d'autres développent des logos de marque uniques. Plusieurs époques ont également influencé sa compréhension. Autrefois, les professionnels se consacraient à la création de nouvelles polices de caractères. Aujourd'hui, l'accent est mis sur les interfaces numériques. Ainsi, quels sont les types de design? Au sens large, ils abordent les divers défis que les concepteurs doivent relever dans différents domaines.

Il existe cinq types de conception graphique : 

1. Conception du produit. Les professionnels de ce secteur sont chargés de créer des produits physiques et numériques uniques. Ils mettent leurs compétences au service de l'ergonomie et du confort des objets du quotidien, tels que les canapés ou les prises de courant. Pour en savoir plus sur la conception de produits, lisez The Design of Everyday Things par Don Norman. Ce livre n'est pas seulement utile aux concepteurs de produits, il est également très utile aux concepteurs de sites web.
2. Modèle type. Il existe plus de 200 000 polices de caractères dans le monde, et ce nombre augmente grâce aux créateurs de caractères. Ce domaine consiste à développer de nouvelles formes graphiques de lettres, de signes de ponctuation, de symboles mathématiques et d'autres caractères. Pour approfondir ce sujet, consultez les livres sur la conception de caractères écrits par Paul McNeil, Robert Bringhurst et Stephen Coles. Ces auteurs couvrent un large éventail de sujets, notamment l'histoire de la typographie, les propriétés des polices de caractères et la perception des caractères.
3. Conception d'interaction. This type of design represents the convergence of two foundational domains—UX (user experience) and UI (user interface). Professionals in this field are responsible for crafting captivating and meaningful interactions between users and digital systems, such as websites and applications. For example, an interaction designer can conceptualize how users engage with content on social media, including actions like sharing, liking, and commenting. To gain deeper insight into this field, consider reading “Designing Interfaces: Patterns for Effective Interaction Design” by J. Tidwell and Ch. Brewer.
4. Conception de graphiques animés. This field focuses on creating animations, visual effects, and short videos that bring “living characters” to screens. Actions can take place in two-dimensional or three-dimensional worlds. Motion graphics design is in high demand across various industries, including marketing, cinema, animation, and mobile interface design. You can explore the book Design for Motion: Fundamentals and Techniques of Motion Design by Austin Shaw to learn more.
5. Conception de l'identité de la marque. Les concepteurs dans ce domaine s'engagent à développer des éléments graphiques uniques pour les entreprises. Par exemple, des logos, des emballages de produits, des directives de marque et des manuels de style d'entreprise. Avec l'aide des designers, les marques peuvent établir des associations puissantes en utilisant les couleurs, la typographie et les motifs récurrents. Le livre Creating a Brand Identity de Catharine Slade-Brooking est une source de connaissances précieuses pour les créateurs en herbe. 

Principes fondamentaux de la conception graphique 

Les designs sont constitués d'images, de couleurs et de typographies. Pour créer des visuels captivants, il est essentiel de maîtriser l'art des combinaisons de couleurs, des associations de polices et de l'emplacement des images.

Théorie des couleurs 

La théorie de la couleur étudie la manière dont les différentes teintes interagissent entre elles et avec l'observateur. Elle englobe des sujets tels que la perception humaine des couleurs, le mélange des nuances et la manière dont les couleurs peuvent transmettre des messages.

To master color theory, it’s crucial to grasp these key topics:

• Propriétés des couleurs-Comprend des concepts tels que la saturation, la valeur, les tons, les nuances, les teintes, la chaleur, la fraîcheur et la température.
• Roue des couleurs-Le cercle chromatique représente une organisation illustrative de différentes teintes et montre comment elles peuvent se combiner harmonieusement. Avec une roue des couleurs, vous pouvez associer des teintes qui se complèteront dans vos créations. Il existe plusieurs outils en ligne conçus à cet effet, par exemple Adobe Color et Paletton. 
• Psychologie des couleurs-Des couleurs spécifiques peuvent évoquer des émotions distinctes chez les gens. Par exemple, le bleu est souvent associé au calme, tandis que le violet donne un sentiment d'innovation. Comprendre la signification des couleurs dans le design permet aux créateurs d'influencer les perceptions des consommateurs et de transmettre des messages appropriés.

Typographie 

La typographie est un élément crucial de la conception qui permet aux créateurs d'attirer efficacement l'attention de l'utilisateur. Les polices modernes peuvent être classées en huit catégories : lettre noire, sans empattement, avec empattement, script, monospace, glyphes calligraphiques, slab serif et display. En tant que concepteur, votre tâche consiste à combiner habilement différentes polices.

Voici quelques principes fondamentaux pour l'appariement des polices de caractères :

• Utilisez au maximum deux polices de caractères dans vos projets de conception.
• Mélangez des polices de caractères de la même famille pour plus de cohérence.
• Associez des polices de caractères fortes à des polices plus délicates pour créer un contraste visuel.
• Combinez des caractères avec et sans empattement pour obtenir un résultat équilibré.
• Réservez les polices calligraphiques aux titres ou aux éléments décoratifs.

La typographie est une discipline complexe, et l'appariement des polices de caractères repose sur diverses caractéristiques. Pour les graphistes débutants, des services en ligne tels que FontJoy et FontPair peuvent s'avérer utiles.

Mise en page et composition 

Dans une bonne conception, les éléments ne sont jamais isolés. Ils interagissent les uns avec les autres de manière spécifique, formant ainsi une composition. Pour créer des mises en page harmonieuses, vous devez tenir compte de ces huit principes :

1. Équilibre. This principle refers to creating visual weight in your composition. However, balance isn’t equal to equilibrium in design. For example, imagine you need to make an infographic. In this case, you can place elements in parallel, circle, or mosaic structures, which creates balance. 
2. Contraste. Il s'agit de créer un contrepoint visuel entre les éléments. Par exemple, des couleurs blanches et noires dans un même cadre créent un contraste dans votre composition. Vous pouvez créer des contrepoints dans vos dessins grâce à la couleur, à la taille et à l'alignement. 
3. Accentuation et subordination. This technique implies developing a focal point that serves as the center of the viewer’s attention. When all elements possess equal prominence, concentration is scattered. So, for example, when designing advertising banners, you should emphasize a selling proposition by headlining it. 
4. Force directionnelle. This is a visual pathway that guides the viewer’s gaze across the composition. Directional forces can be found in natural environments like roads, mountains, and rivers. With these elements, you can direct the viewer’s eye to buttons or subscription forms. 
5. Proportion. This is the relationship of a specific part to the entire object, as well as the correlation between individual parts themselves. With size, graphic designers can shape visual aesthetics, realism, and overall compositional style. For example, the Subaru logo contains several stars, one bigger than the others, capturing the viewer’s focus. 
6. Scale. This conveys comparative dimensions of a design element in relation to other ones. Using it, creators can establish visual hierarchy and highlight necessary components like buttons and options. 
7. Repetition and rhythm. This principle is based on element recurrence, allowing for directing the viewer’s gaze and establishing attention. For example, users know that important icons are arranged in specific places, like your website’s upper right side, simplifying interactions. 
8. Unity. This can be explained as the symphony made by combining design elements. For example, you can employ identical colors and same-shape components to achieve a cohesive look. 

Professional tips on how to make good graphics 

#1 Research 

Watchfulness is key to good design. Aspiring creators experience challenges inventing something new, but they should focus on taking small pieces of information from everywhere. 

Before making designs, observe how others approach them. Online sources like Behance and Dribble can assist you in this endeavor. Save works that captivate you and make mood boards for your projects. For example, you can create a workspace in Figma where you can keep all thematic images, interesting fonts, and matching colors. Gathering design puzzles makes it much easier to see the complete picture.

#2 Utilize negative space 

The concept of utilizing negative space, also known as white space, is a valuable design principle that can greatly enhance the overall aesthetics and clarity of your compositions. While beginner creators might initially view empty spaces as a detriment, they play a crucial role in design by providing balance and breathing room. Negative space helps simplify the perception of a composition, allowing the viewer to focus on essential elements. This creates a harmonious and visually pleasing design. 

#3 Develop order

The visual hierarchy of a composition should be easily perceived. To achieve this, highlight important elements in your design. For example, make your headings bigger than the body text. Avoid center alignment for body text since most readers in many countries read from left to right, and center alignment can make text less legible.

#4 Keep it simple

Ensure each design component possesses a clear purpose and choose straightforward fonts, shapes, and pictures. Opt for contrasting tonal color combinations to ensure sharp and legible text.

#5 Repeat design elements

Professional designers often develop UI kits that contain reusable graphic elements like icons, product cards, article frames, etc. When incorporating the same materials in your projects, you build consistency. 

Conclusion 

With a variety of directions, graphic design is a go-to choice for creative minds willing to improve the visual perception of things. To acquire this profession, familiarize yourself with artistic fundamentals, rules, and design principles. Learn about color theory, typography, and composition from this article, and start mastering your skills.